El cuerpo habitado
Como ocorreu em todos os momentos de tensão política do século XX, a Revolução Cubana exigiu dos artistas um comprometimento com as transformações em curso. No caso da fotografia, isso significou a imposição de uma linguagem documental, às vezes, explorada para fins de propaganda ideológica.
Em El cuerpo habitado: fotografía cubana para el fin de milenio (Universidade de Santiago de Compostela, 2009), Carlos Tejo Veloso analisa o contexto que, nos anos 80, permitiu à fotografia se abrir para processos mais experimentais e híbridos, dialogando com tendências internacionais sem abandonar seu interesse pelas temáticas locais, como a religião, a política e a história de Cuba.
“En oposición al registro directo de la producción fotográfica cubana desarrollada en las dos primeras décadas de la Revolución, la metáfora se convertirá en un importante vehículo de comunicación entre el artista y el espectador. Como es de suponer, la introducción de esta importante herramienta modificó notablemente los valores de la fotografía tradicional. La fotografía como testimonio, practica donde se priorizaba la instantaneidad, la originalidad o una aparente subjetividad, queda definitivamente relegada y es substituida por una nueva narratividad que no constituye un código legible de interpretación inmediato, sino que demanda un ejercicio reflexivo que exige la interpretación del mensaje principal transmitido por el artista. Así, se transita de una narración directa a una narración simbólica donde el autor es el director exclusivo del mensaje final de su trabajo”
É aí que o corpo aparece como espaço simbólico privilegiado, nas palavras do autor, dotado de um “sentido politextual”. Sua forte presença na fotografia cubana recente não significa apenas um mergulho introspectivo. O corpo é, ao mesmo tempo, o território onde o indivíduo pode atuar com mais liberdade, e uma metáfora que permite uma expressão crítica sobre a realidade cultural e política de seu entorno.
Este trabalho apresenta um olhar panorâmico sobre a fotografia cubana: relembra grandes nomes que documentaram a Revolução, como Korda e Liborio Noval, discute o significado que teve a atuação de María Eugenia Haya (Marucha) junto à Fototeca de Cuba, tanto para a difusão quanto para a renovação da fotografia cubana, e analisa a obra de expoentes da geração dos anos 80, como Marta María Pérez Bravo, René Peña, Abigaíl González, Eduardo Hernández Santos, Cirenaica Moreira.
- René Peña – Exile, 1995
Fragmentos do livro estão disponíveis no Google Books. Uma síntese desta pesquisa pode ser também encontrada num artigo do mesmo autor, “Los nuevos usos de la fotografía en el arte cubano contemporâneo”. Neste texto, Carlos Tejo Veloso resume o contexto que permite o surgimento de uma fotografia experimental em Cuba, e concentra sua análise na obra de Marta María Pérez Bravo.
- Marta María Pérez Bravo – De la serie para concebir, 1986
“La presencia del cuerpo, su propio cuerpo será otro rasgo que define toda la producción de Pérez Bravo, descubriéndonos territorios que nos acercan hacia conceptos que trasparentan su intimidad, sus emociones, o sus sueños. Utiliza la fotografía como un recurso de auto-exploración, presentándonos escenas construidas de manera teatral donde casi nunca se nos permite ver el rostro de una entidad que se ofrece fragmentada. De esta manera también está cuestionando el canon tradicional del retrato fotográfico evitando el contenido anecdótico y denotativo que podría albergar una representación de su propio rostro, construyendo una narración que partiendo de la experiencia individual, se proyecta anónima hacia cuestiones que atañen a la colectividad”.
17, Instituto de Estudios Críticos
Foto: Kurt Weston, fotógrafo da exposição "La mirada Invisible", organizada pelo 17, Instituto de Estudios Críticos e Centro de La Imagen
O 17, Instituto de Estudios Críticos (MX), é um espaço fantástico para estudos de teoria crítica em diversos campos acadêmicos. São mestrados, doutorados e programas de extensão que evolvem desde a psicanálise ao pensamento estético.
Além dos cursos, existem também atividades culturais ao público em geral, serviços de consultoria, edição de publicações teóricas e mais. Para quem gosta de ler e se interar de discussões “cabeçudas”, o site da instituição é um prato cheio. A sessão de livros e leituras, está cheia de textos interessantes sobre diferentes temas. Também em “Actividades anteriores” está toda lista de colóquios realizados pela instituição ao longo dos anos e alguns deles com PDF para leitura.
Algumas leituras valem a pena quando se busca estudos mais abrangentes sobre temas que, direta ou indiretamente, vão de encontro à fotografia.
Marcelo Brodsky
Foto: Carlos Goldin, 2008
Os acontecimentos terminam, porém, as fotografias permanecem. Com o passar do tempo, encontramos dificuldade em assegurar se esses momentos foram significativos em si mesmos ou se tornaram-se memoráveis por terem sido fotografados.
Para Marcelo Brodsky, artista visual argentino com “um pé” no Brasil, esta dúvida nada mais é que a fórmula perfeita para um trabalho de imensurável relevância social.
Brodsky é hoje um dos principais personagens nas discussões em torno do pesado legado da ditadura militar argentina de 1976-83. Perdeu um irmão nas mãos dos militares, teve que se exilar na Espanha e soube transformar essa experiência traumática em ímpeto para enfrentar as forças do esquecimento que pairam na Argentina desde os anos 80.
Entre livros e exposições, o artista se dedica, ao lado de outros, ao Parque da Memória, que está sendo construído em homenagem às vítimas daquela ditadura às margens do Rio da Prata (o local onde milhares de “desaparecidos” foram despejados para ocultar seus cadáveres e assim apagar os rastros do crime hediondo).
Nesta entrevista, ele fala também sobre outros trabalhos realizados, sua relação com a fotografia/memória, os vínculos fortes que mantém com o Brasil, projetos que estão por vir e mais. Vale a pena se debruçar sobre essa janela do tempo onde o passado não passa e fala de um imperativo presente, um dever de memória.
Candelabro, Goiás, Brasil. ©Marcelo Brodsky, 1996
Manu Melo Franco – A ditadura militar argentina (1976-83) foi um acontecimento que marcou sua vida de tal forma que ainda hoje conduz grande parte do seu trabalho artístico. Qual era a sua relação com a fotografia antes de ser “atingido” tão diretamente pela repressão? Marcelo Brodsky – Mi relación con la fotografía comienza en la infancia, con las fotos que me hacía mi padre y continúa en la adolescencia, cuando mis padres me regalaron mi primera cámara. Con esa cámara hice algunas fotos que luego rescaté en mi trabajo fotográfico posterior. Mi aproximación a la fotografía era totalmente amateur, sin una formación específica. Fue sólo cuando viví en el exilio en Barcelona que me interesé en la fotografía de otra manera, asistiendo a cursos y formándome con Manel Esclusa en los primeros años ochenta. Tuve mis primeras muestras y proyectos. La represión había quedado atrás en Argentina, y la lucha contra la dictadura desde el exterior era un factor de unión y marcaba nuestra producción cultural. Mi primer libro en Barcelona, en 1982, no fue sin embargo un libro de imágenes sino un libro de poemas, “Parábola”.
Manu Melo Franco – Este direcionamento da sua obra para tais questões políticas veio como uma forma de preencher um vazio pessoal causado perda de um ente querido, pela necessidade de justiça social ou pela possibilidade de agregar valor à memória traumática da ditadura?
Marcelo Brodsky – Durante el exilio y mis primeros años de regreso a la Argentina, fui procesando el miedo y el dolor de los que murieron o desaparecieron por la represión, como lo hizo de alguna manera toda mi generación. Me hermano Fernando es uno de los desaparecidos. Pasaron más años en los que formé una familia, armé mi actividad profesional en la fotografía, viajé. Fue cuando se cumplieron veinte años del golpe militar, en 1996, cuando sentí la necesidad de abordar directamente las consecuencias de la dictadura militar con mi obra artística, y produje el ensayo Buena Memoria, en torno a los desaparecidos de mi colegio y al caso de mi hermano, que se transformó en mi primer libro-ensayo fotográfico. En ese momento, se había publicado poco desde las artes visuales acerca de la memoria traumática de la dictadura, y el libro fue muy bien recibido por los medios y por la sociedad, ya que aportaba un punto de vista personal e íntimo sobre un problema colectivo que nos había afectado y nos estaba afectando a todos.
Manu Melo Franco – Conte-nos um pouco sobre o processo de pesquisa e organização para o livro “Memoria en Construcción” (Editora La Marca/2005) e sobre o “Parque da Memória” (Argentina), projeto no qual você é uma das peças chave.
Marcelo Brodsky – Posteriormente, en 2001 produje mi segundo ensayo fotográfico en torno al tema de la memoria colectiva, “Nexo”. Este se centra en distintos aspectos y consecuencias de la represión, como el entierro de nuestros propios libros, la experiencia del exilio y los archivos de la represión. Una vez concluído este proyecto, y cuando empezó la discusión sobre qué hacer en los espacios de memoria, en particular sobre la escuela de Mecánica de la Armada donde fue torturado mi hermano, sentí la necesidad de editar un libro en el que se detallara el estado de la discusión en ese momento. Memoria en Construcción recoge opiniones de intelectuales, artistas y militantes de los Derechos Humanos acerca de cómo construir espacios colectivos de memoria, centrado en la discusión sobre la organización del Espacio para la Memoria y los Derechos Humanos en la ESMA, el mayor campo de concentración que hubo en la ciudad de Buenos Aires. Es importante consignar aquí que 65 artistas participaron de este debate con su obra visual, que está incluída en el libro y que luego tomó la forma de una exposición cuando se cumplieron los 30 años del golpe militar.
En cuanto al Parque de la Memoria, proyecto del que formo parte desde su creación, fue una iniciativa que presentamos las organizaciones de derechos humanos a la ciudad en 1998, y se aprobó de inmediato. Desde entonces, la Comisión Pro Monumento a las víctimas del Terrorismo de Estado, integrada por organizaciones de derechos humanos, parlamentarios, gobierno de la ciudad y Universidad de Buenos Aires hemos trabajado sin pausa para concretarlo. Hoy tenemos terminado el monumento a las víctimas con casi 9.000 nombres, hemos instalado ya siete esculturas y tenemos casi completo el parque. El espacio público para recordar los nombres de los que faltan tiene entidad y empieza a cumplir con su misión. Disponemos de un espacio museístico de gran calidad para exposiciones temporarias y para realizar actividades públicas, que hoy coordina el Consejo de Gestión del Parque. Este año, hemos sido invitados por el equipo curatorial a participar de la próxima Bienal de Sao Paulo.
Manu Melo Franco – Sua obra fotográfica, principalmente “Buena Memória”, procurou seus companheiros do colégio secundário para refazer a fotografia do grupo feita há quase 30 anos, me remete muito à questão do público e privado. A fotografia pública oferece a quem a olha uma informação separada de seu contexto; já as fotografias privadas, especialmente as que compõem o arquivo familiar, são lidas em um contexto que é a continuação daquele de onde a câmara as tirou. Que tipo de artifícios (se é que são necessários) você usa para dar sentido ou construir narrativas quando suas imagens se descolam do álbum de família e ganham paredes de um museu ou galeria?
Marcelo Brodsky – La relación del ciudadano del siglo veinte con la fotografía es una relación íntima y constante. Nos reconocemos en nuestras fotos familiares, guardadas en cajas y cajones, pasadas de generación en generación. Este proceso se acelera y amplia en el siglo actual, cuando el acceso a la producción digital de imágenes multiplica geométricamente la producción y el intercambio. Las fotos familiares forman parte de un universo privado, pero al mismo tiempo tienen una fuerte carga afectiva que puede extenderse al ámbito de lo público a través de su incorporación en proyectos artísticos y comunicacionales. La fotografía privada puede ser una herramienta poderosa de construcción de discurso público. Eso sucede en modo creciente en la producción artística contemporánea, mediante la reinterpretación, apropiación y contextualización de imágenes inicialmente familiares o privadas que se resignifican en el escenario de las artes visuales. No son necesarios artificios, sino criterios para incorporar estas imágenes en un discurso artístico, y cada autor encuentra la mejor manera de hacerlo, teniendo en cuenta las particularidades de su obra y de sus herramientas creativas.
Correspondencia Visual Cássio Vasconcellos – Marcelo Brodsky Nº 030, Serra do Mar. ©Cássio Vasconcellos, 2007
Correspondencia Visual Cássio Vasconcellos – Marcelo Brodsky Nº 031, Buenos Aires. ©Marcelo Brodsky, 2008
Manu Melo Franco – A fotografia nos ajuda a arquivar certos instantes que são inesquecíveis e outros se tornam memoráveis apenas por terem sido fotografados. Em ambas as circunstâncias, o que fica é uma imagem descolada do fato ou acontecimento que já foi diluído no tempo. Até onde vai a sua urgência em “reviver” a ditadura, as perdas que ela trouxe, as relações passadas e o Marcelo de 30 anos atrás?
Marcelo Brodsky – No me interesa particularmente revivir la dictadura, más bien al contrario me interesa evitar tener que revivirla o que alguien tenga que hacerlo en América Latina. El trabajo narrativo, la transmisión de la experiencia vivida a las nuevas generaciones, la comunicación de una vivencia marcada por la violencia del estado, que es colectiva, de una generación, no individual, es una tarea que requiere de muchos elementos distintos para poder transmitir emocionalmente la esencia de lo vivido. No basta con contar lo que pasó. Es necesario conectar emocionalmente con el que mira, para que su comprensión sea profunda, no superficial, para que se produzca un aprendizaje, no un mero pase de información. Esa experiencia es la que procuro producir con mi obra fotográfica.
Un caso individual, una persona, una vida, unas imágenes asociadas a ella que la cuentan visualmente, son más comprensibles y asimilables que un número inmenso, como el de 30.000 desaparecidos. Las imágenes de una familia, son las imágenes de miles de familias. Un retrato cargado de sentido visual representa miles de retratos posibles que no existen.
Manu Melo Franco – Você inaugura uma exposição na Pinacoteca do Estado de São Paulo em outubro deste ano, certo? Também existem outros projetos a serem desenvolvidos por você em terras canarinhas. Fale um pouco sobre estes planos.
Marcelo Brodsky – Un balance amplio de la forma en que yo he utilizado mis herramientas creativas puede verse asistiendo a la exposición de “Boa Memoria” en la Estacao Pinacoteca de la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo, que se inaugura el próximo Sábado 23 de Octubre a las 11hrs, durante el Segundo Foro de Fotografía Latinoamericana. Una de las fotos de esta exposición, estará expuesta simultáneamente en la Bienal de Sao Paulo, que se inaugura el próximo 25 de septiembre, como parte de la participación del Parque de la Memoria en la Bienal. Se trata de la imagen del Rio de la Plata, quee está cargada de sentido simbólico para todos los argentinos. Allí fueron tirados los desaparecidos desde aviones militares.
Boa Memoria itinerará posteriormente por Brasil, y tiene previsto exhibirse en Fortaleza y en Recife. La Pinacoteca publicará un catálogo de la muestra, olaprimer publicación en portugués dedicada a mi trabajo.
Buena Memoria, Nexo y Memoria en construcción constituyen una trilogía con mi aporte a la discusión sobre la memoria colectiva en Argentina. Mis trabajos más recientes no tienen una inscripción temática tan clara. Uno, las correspondencias visuales, son diálogos con imágenes con otros artistas y fotógrafos, y he trabajado en ellas los últimos tres años. Ya he editado varios libros con estas correspondencias, que he tenido entre otros con Martin Parr, Pablo Ortiz Monasterio, Joachim Schmid, Manel Esclusa, Cassio Vasconcellos, Horst Hoheisel… Mi último trabajo, inédito, Once @9:53 es una fotonovela sobre el barrio del Once de Buenos Aires realizada en con textos del escritor norteamercano Ilan Stavans. Pronto se publicará en forma de libro, es un rescate de un género tradicional de los años sesenta, una herramienta de lenguaje visual y construcción narrativa.
Manu Melo Franco – Você transita muito bem pelo Brasil e tem vínculos fortes com nosso país. De onde vem essa relação? Pra onde ela caminha?
Marcelo Brodsky – En febrero de 1986 estaba de vacaciones en Arraial d´Ajuda, sur de Bahía, cuando el lugar empezaba a estar de moda. Allí conocí a Gianna, una goiana que tenía entonces 19 años y nos enamoramos. Hoy es mi esposa y la madre de mis tres hijos, brasileiros, de 7, 15 y 18 años. Vivimos en Buenos Aires. Tenemos también un sitio en Pirenopolis, Goias, adonde vamos cada vez que podemos.
Además, en 1989 fundamos con socios brasileiros nuestra agencia de imágenes en Brasil, Latinstock.com.br , que es la principal agencia de nuestra organizacion latinoamericana y que ya lleva más de veinte años distribuyendo profesionalmente imágenes en Brasil. Está dirigida por Marcos Scheliga y un equipo profesional especializado en las áreas editorial y publicitaria. Recientemente hemos empezado a distribuir las imágenes de Cia de Foto y de otros fotógrafos brasileros, así como las de la agencia Magnum en el mercado brasileño.
Una de mis correspondencias visuales es con el fotógrafo paulista Cassio Vasconcellos. Ya llevamos más de ochenta imágenes en nuestro diálogo, y pensamos editarlo en forma de libro más adelante.
Amor, Arte, Negocios, Amigos…tengo bastantes puntos de contacto muy íntimos con Brasil. La rivalidad futbolística es una anécdota… Mis amigos dicen que soy “meio” brasileiro…
Manu Melo Franco – Você consegue definir a fotografia latino-americana? Sua obra se encaixaria nesta definição?
Marcelo Brodsky – Yo me siento parte de la fotografía latinoamericana, y creo que nuestra producción tiene particularidades propias relacionadas con nuestra forma de vivir y de ver el mundo. Cada generación tiene sus referentes, pero hay a personajes claves que definen nuestra personalidad visual. Referentes históricos, referentes contemporáneos. Cada uno elige sus referentes, pero los tenemos y son comunes a América Latina como territorio común. Yo siento que participo de un movimiento fotográfico argentino, de mi generación, que a su vez es parte de una generación de fotógrafos latinoamericanos que hoy ha alcanzado su madurez. Las nuevas generaciones de artistas visuales construyen un discurso visual y una mirada propia, diferente, en que hay al mismo tiempo un diálogo con nuestras imágenes, y con otras formas de expresión y creación artística. La cultura visual es rica y compleja. No debemos permitir que se simplifique y se homogeinice como resultado de un proceso de digitalización que haga parecidas todas las propuestas. Hay que mantener el punto de vista individual, apropiarse de la tecnología y subordinarla a la obra. Lo esencial está en lo que queremos decir. Y en América Latina tenemos cosas que decir y modos de ver distintos de las que se dicen en Europa o en Asia.
Manu Melo Franco – Você participará de uma entrevista e uma mesa do Fórum Latino-Americano de Fotografia de SP. O que você espera deste encontro?
Marcelo Brodsky – Como coorganizador del Foro espero que esta segunda edición sea tan rica, diversa y estimulante como la primera y que además tenga tantas consecuencias positivas como tuvo la primera. Nuevas relaciones horizontales entre creadores y operadores culturales, nuevos proyectos que se echen a andar en el Foro, como sucedió con el Libro sobre Fotolibros latinoamericanos que iniciamos en el Primer Foro y que presentaremos en el segundo ya concluído… Nuevas redes, interpersonales, virtuales y visuales que enriquezcan nuestra producción y nuestras perspectivas para crear y exhibir nuestros modos de ver el mundo. Que fortalezcamos nuestros propios circuitos latinoamericanos, para proyectar con fuerza nuestra producción a la escena global.
Correspondencia Visual Martin Parr – Marcelo Brodsky Nº 025, Torso, Montevideo, Uruguay. ©Marcelo Brodsky, 2008
Correspondencia Visual Martin Parr – Marcelo Brodsky Nº 026, Man in front of painting, Dubai ©Martin Parr, 2007
El Río de la Plata. Buenos Aires. Marcelo Brodsky, 1996
1er. Año, 6ta. División, 1967. Marcelo Brodsky, 1996
O fotógrafo inglês é “um cronista de nosso tempo”, afirma o curador alemão Thomas Weski. Para ele, as imagens de Parr oferecem a oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva única no turbilhão de registros divulgados pela mídia. Temas como consumo, prazer e comunicação são elementos básicos de sua imagética, por meio da qual ele se posiciona inclusive politicamente. Nascido em Epsom, pequena cidade do condado de Surrey, aprendeu a fotografar na infância, com seu avô. Estudou fotografia na Manchester Polytechnic, hoje parte da Manchester Metropolitan University, uma das quatro maiores universidades da Inglaterra. É um colecionador compulsivo de livros de fotografia, os quais busca pelo mundo inteiro, e autor de importantes livros, como Bored Couples (1993) e Think of England (2000), ambos uma crítica contundente ao way of life.
Argentino, tornou-se fotógrafo no exílio em Barcelona nos anos 1980, durante a ditadura militar em seu país. Foi aluno de Manel Esclusa, famoso fotógrafo de retratos catalão, no Centro Internacional de Fotografia. Paralelamente, graduou-se em economia pela Universidade de Barcelona. Sua obra traz uma constante abordagem política, expressa em exposições como Los Condenados de la Tierra, Buena Memória e Nexo. Na obra Imágenes contra la Ignorancia, fez uma intervenção pública contra o nazismo, em Hannover, na Alemanha. Foi curador da famosa mostra Estéticas de la Memoria (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires) e um dos organizadores do 1o Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo, em 2007, e do encontro Bienal de São Paulo-Valência, na Espanha.
Criado em 2003, o coletivo propõe novas leituras fotográficas por diferentes meios. Entre eles, destacam-se a curadoria da Semana Internacional de Fotografia FNAC (2008) e o conselho curatorial do Paraty em Foco (2009) e deste 2º Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo. Também participam de exposições nas quais apresentam ensaios conceituais. Mantém suas obras representadas pela Galeria Vermelho, de São Paulo. Fazem parte do conselho editorial da revista Sueño de la Razón e atuam também no mercado editorial e de publicidade.
A morte, o México e o Fórum
Foto: Daniela Edburg
É como se a vida já tivesse curado todos os medos da morte. É ela quem provoca as lágrimas e não o fato de perdê-la. A visão destemida dos povos mexicanos sobre a morte (tida como origem e destino, lugar de descanso e de reencontro) vem das culturas pré-hispânicas que se desenvolveram neste território. É essa relação de burla e de respeito, de alegria, de fascinação e de intimidade que povoa e comporta a celebração do Dia de Los Muertos, o feriado mais importante deste país.
E, como não poderia deixar de ser, esta tradição é pano pra manga de diferentes artistas como Juan Rulfo, Agustín Yáñez, Carlos Fuentes, José Gorostiza, Gerardo Montiel Klint, Gabriela Ortiz e até Eisenstein que, mesmo não sendo mexicano, produziu um dos mais belos filmes sobre a vida e os costumes culturais e artísticos locais, o ¡Que Viva México!
Daniela Edburg, fotógrafa nascida no Texas e criada em San Miguel de Allende/MX, parece ter sido contaminada pela “alegria” da morte desde que trocou a América do Norte pela Central. Em seu ensaio Drop Dead Gorgeous, onde mulheres morrem pelos seus prazeres, ela brinca com o tema de forma irreverente, crítica, colorida e até engraçada.
Tudo isso muito me remete a uma das principais questões do Fórum Latino- Americano de Fotografia: até aonde carregamos nossas referências culturais quando estamos fora de casa? Até aonde contaminamos e somos contaminados pelos sons, cheiros e imagens que sentimos em outras terras? E quando o olhar estrangeiro migra para o olhar “nativo”? Quem tiver respostas, que atire a primeira tentativa!
Foto: Daniela Edburg
Foto: Daniela Edburg
Retratos Campesinos
El tema elegido para el concurso de ensayo fotográfico El Ojo Salvaje 2010, “Habitantes”, no sería una mera anécdota en el contexto de la fotografía actual en el Paraguay. Al menos en la última década, frecuentemente afloró la discusión (en talleres, en debates informales) acerca de la insuficiente atención que la fotografía contemporánea había prestado a los habitantes de este país. “No aparece la gente en las fotos”, reclamaba hace unos años un joven poeta local.
Los motivos de este déficit pueden ser varios – no me detendré a enumerar las posibilidades, que podrían ir desde las dificultades para identificarnos con el otro, hasta la lisa y llana indiferencia –, pero no deja de llamarme la atención el hecho de desperdiciar las oportunidades que ofrecen países como el Paraguay, donde todavía no miramos con desconfianza a los fotógrafos. Y cuando digo desperdiciar, no me refiero tanto a desperdiciar la oportunidad de “hacer fotos”, como de aprender a mirar con franqueza a los otros, a nos/otros.
Obviamente, encontramos excepciones.
Hubo unos pocos fotógrafos que han trabajado el retrato de manera notable, y otros más que han realizado valiosos registros de la vida en comunidades marginales, rurales o indígenas. Pero, no es menos cierto que la gente no ha sido precisamente la gran protagonista de lo mejor de nuestra memoria fotográfica reciente.
Una de las excepciones es la obra fotográfica de Juan Carlos Meza.
A continuación, postearé una serie de retratos de la vida rural en el Paraguay realizados por Meza (Premio “El Ojo Salvaje 2010″ a la mejor fotografía) para la exposición “Habitantes”, en el marco del 2º Mes de la Fotografía en Paraguay.
Juan Carlos Meza recorrió a lo largo de todo el 2009 y parte del 2010 más de quince mil kilómetros en el interior del Paraguay, y realizó alrededor de 50.000 imágenes panorámicas que muestran la vida actual de los campesinos e indígenas de la Región Oriental.
Por Fredi Casco/Sueño de la Razón.
Juan Carlos Meza. Rosa María en festejos de San Baltasar. Carayaó, Caaguazú. Martes 6 de enero de 2009, 11:39 AM
Juan Carlos Meza. Familia Rotela. Cerro Costa Santa María, Misiones. Viernes Santo, 10 de abril de 2009, 10:18 AM
Juan Carlos Meza. Engelberto Orui Ortellado, acopiador de algodón. Guairá, Ruta. Martes 10 de marzo de 2009, 4.36 PM
Juan Carlos Meza. Bandita Súper Seis. Itauguá, Día de San Blas. Martes 3 de febrero de 2009, 06:11 PM
Juan Carlos Meza. Cuidadores del Tren Fantasma. La Paloma, Canindeyú. Viernes16 de abril de 2010, 11:13 PM
Paraguaio, é fotógrafo, escritor e coordenador editorial do festival El Ojo Salvaje – Mes de La Fotografía en Paraguay. Faz parte da experiência Sueño de la Razón, criada no 1o Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo. Trata-se de uma edição produzida por sete países latino-americanos. É codiretor da Ediciones de la Ura, editora sem fins lucrativos aberta a todos os campos experimentais e destinada ao cruzamento de múltiplas práticas culturais. Uma de suas obras mais importantes é o trabalho feito com imagens pesquisadas na época da ditadura Stroessner e em sua decadência. Sobre ela, escreveu o pesquisador e crítico Ticio Escobar, atual ministro da Cultura do Paraguai, que não se trata de criticar a precariedade da cena oficial, mas sim de revelar aspectos que ficaram obscuros pelos discursos da história e da política.
Buenos Aires Photo
Foto: Santiago Porter, primeiro lugar do concurso em 2008.
Foto: Sergio Fasola, finalista do concurso em 2009.
Pelo quinto ano consecutivo, a dobradinha Petrobras Energía e Buenos Aires Photo convidam artistas a participar do concurso fotográfico “Petrobras-Buenos Aires Photo | Edición 2010”.
Com inscrições abertas até 03 de setembro, o prêmio é aberto para qualquer nacionalidade e oferece valores de $15.000 e $7.000 para primeiro e segundo lugares, respectivamente.
Os 12 finalistas também participam de uma exposição coletiva a ser realizada no espaço Petrobrás dentro da Buenos Aires Photo. Esta feira acontece em outubro, no Palais de Glace/AR e é assunto pra outro post mais adiante! É só ficar de olho!
Edital completo aqui.
Inscrições gratuitas para workshops e leitura de portfólio
Estão abertas, até 5 de setembro, as inscrições gratuitas para os workshops e leituras de portfólio do 2º Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo.
O evento será realizado entre os dias 20 e 24 de outubro, no Itaú Cultural (Avenida Paulista, 149, São Paulo/SP).
Transporte aéreo e hospedagem
Entre as novidades do Fórum, destacamos o custeio de passagens aéreas e hospedagem para não residentes no estado de São Paulo. Ao se inscrever, o participante estará, automaticamente, concorrendo a tickets de ida e volta e diárias no período de 20 a 24 de outubro. Serão contemplados com os referidos benefícios até 04 (quatro) participantes indicados pela comissão de seleção.
Saiba como se inscrever, enviar seu portfólio, conhecer o regulamento e horários no Fórum Virtual. Qualquer tipo de dúvida, escreva para portfolio@itaucultural.org.br. No site do Fórum você encontrará os temas das atividades, quem são os coordenadores, a programação completa das mesas de debate, entre outras informações.
Luis González Palma – A fotografia como sentido
O objetivo do workshop é pensar a imagem sob pontos de vista diferentes dos especificamente estéticos ou teóricos. Além disso, tenciona promover um diálogo sobre as obras dos participantes a partir de alguns questionamentos: por que fazer uma obra? Para que fazê-la? Do que falamos quando falamos de nossas imagens? Trata-se de uma tentativa de compreender o olhar de cada um, tomando como base suas histórias pessoais e sua intimidade.
Foto: Luis González Palma
Joan Fontcuberta – Por uma fotografia sem qualidade
O workshop parte da ideia de que a fotografia feita por profissionais é entediante e patética. Entra em foco a fotografia sem qualidade, realizada sem pretensões e que, entretanto, está à espera de ser repensada e reciclada. Para Fontcuberta, a criação atual não está baseada na produção material da imagem, mas na atribuição de sentido. A manipulação e a circulação das imagens teria se tornado mais importante que seu conteúdo.
Foto: Joan Fontcuberta
Juan Antonio Molina – A curadoria como (in)disciplina
Direcionado a fotógrafos, críticos de arte, historiadores da fotografia e curadores, o workshop visa criar e/ou reforçar as habilidades dos participantes para a curadoria e a edição de imagens fotográficas por meio de um exercício coletivo de projeto curatorial.
Claudi Carreras – Fotografia como projeto cultural
Os objetivos do workshop são analisar a conceituação do projeto fotográfico em um meio saturado por imagens e pesquisar os canais de visibilidade contemporâneos a fim de viabilizá-lo. Mais amplamente, trata de analisar, em conjunto, novas plataformas de ação para a fotografia, entendida como um vetor da comunicação social. Destinado a fotógrafos e gestores culturais.
Roberto Huarcaya – Novas ferramentas para a discussão de um ensaio fotográfico
Os participantes escolhem um entre os vários temas lançados como desafio pelo coordenador e têm que apresentar o andamento de seus trabalhos em duas etapas (ao longo das duas semanas anteriores ao Fórum). Durante o workshop presencial, os resultados são discutidos. Todo o processo será publicado no Fórum Virtual.
Foto: Roberto Huarcaya
Alec Soth – Fazendo um livro de fotografia
Neste workshop, são discutidas as diferentes abordagens na concepção e na execução de um livro fotográfico. Edição, layout e design de um fotolivro bem como os canais contemporâneos de difusão são alguns dos temas abordados.
Foto: Alec Soth
Sábado, 23/10/2010 – Leitura de Portfólio com Alejandro Castellanos, Alejandro Castellote, Brett Rogers, Carlos Carvalho, Eder Chiodetto, Florencia Malbran, Joana Mazza e Joerg Bader.
Domingo, 24/10/2010 – Leitura de Portfólio com Claudi Carreras, Daniel Sosa, Diógenes Moura, Fredi Casco, Lesley A. Martin, Pablo Corral Veja, Ramón Reverté e Roberto Huarcaya.
Mestre em comunicação e artes pela Universidade de São Paulo, é fotógrafo e curador independente. Foi editor de fotografia do jornal Folha de S. Paulo, em que também atuou como crítico de fotografia. Curador de mostras referenciais, a exemplo de Bressonianas (2009) e A invenção de um mundo (2009), também atuou como cocurador das exposições Henri Cartier-Bresson Fotógrafo (2009) e Olhar e Fingir: Fotografias da Coleção Auer (2009). É autor do livro O lugar do Escritor (Cosac Naify, 2003) e organizador da coleção Fotoportátil (Cosac Naify). Também atua como curador do Clube de Fotografia do Museu de Arte Moderna (MAM), de São Paulo.
Graduado em psicologia pela Pontifícia Universidade Católica do Peru (PUCP), em cinema pelo Instituto Italiano de Cultura de Lima, e em fotografia pelo Centro del Video y la Imagen, de Madri, Huarcaya é diretor do Centro de la Imagen, em Lima, entidade da qual foi fundador. Já participou de eventos como PhotoEspaña (Espanha), Recontres d’Arles (França), Fotoamerica (Chile) e Photofest (Houston), de exposições importantes como as bienais de Havana e de Veneza, e realizou dez exposições individuais. Parte de seu trabalho pode ser vista em www.robertohuarcaya.com.
Criou, em 2004, a editora RM Verlag, responsável pela edição de mais de 150 livros relacionados às artes visuais. Entre os mais destacados em fotografia estão edições como Helmut Newton – Autobiografía, Polaroids, Manuel Alvarez Bravo, escrito por Collette Álvarez Urbajte, e Khalo – Sus Fotos, com fotografias feitas pela pintora mexicana. Dedicando-se ao mercado editorial há décadas, Ramón Reverté também é responsável no México pela editora Reverté, em atuação há mais de 60 anos. Catalão de Barcelona, vive desde 1998 no México, após ter morado nos Estados Unidos, no Chile e na Argentina.
Fotógrafo, é autor de, entre outros livros, Il Silenzio dei Maya (Pelliti Associati, Photo & Co, Verona, 1998), uma compilação de retratos teatralizados de nativos maias, trabalho que lhe assegurou reconhecimento internacional. Suas mostras percorreram países como Austrália, Inglaterra, México, Itália, Estados Unidos e França. Em 1996, participou da 23a Bienal de Arte de São Paulo. Nascido na Guatemala, vive na Argentina. Seu trabalho, contudo, percorre suas raízes, como afirmou o crítico e escritor Santiago B. Olmo ao dizer que González Palma modelou seu olhar através daquele de seus personagens, dividindo com eles consciência e sensibilidade baseadas no silêncio e na dor, tidos como lugares de confluência de histórias pessoais com a cultura de exclusão que tem caracterizado a Guatemala.
É diretora de conteúdo da Aperture Foundation, onde também atua como editora do programa de edição de livros dessa importante ONG dedicada à fotografia. Pelas suas mãos foram editados aproximadamente 65 importantes livros, a exemplo de Paul Strand in Mexico, On the Beach, de Richard Misrach, e Reflex – A Vik Muniz Primer, com obras e comentários do artista. Considerada umas das 15 pessoas mais influentes do mercado editorial fotográfico internacional, é professora adjunta na School Of Visual Arts e também ensina no International Center of Photography, ambos em Nova York.
Estudou história da arte na Universidade de Havana, em Cuba, onde já foi curador da celebrada Bienal de Havana e da Fototeca Nacional de Cuba. Durante quatro anos, deu aulas na Faculdade de Artes Plásticas da Universidade Autónoma del Estado de Morelos, no México, e foi editor da revista de arte e literatura Fisura. Atuou como cocurador da antológica mostra Fotografia Latinoamerica (1991-2002), organizada pelo Instituto de Cultura de Barcelona. Atualmente, mora no México e acredita que “o panorama da fotografia contemporânea latino-americana é um bom exemplo do comportamento de um sistema de dialetos no espaço artístico. É a expansão do campo linguístico; ceticismo e irreverência se dirigindo rumo à história”.
Suíço, é diretor do Centre de la Photographie Genéve, um dos principais espaços dedicados à imagem na Europa – onde acontece a trienal 50JPG (50 Jours pour la Photographie à Genève). É professor na Haute École d’Art , na França; de teoria e história da fotografia na Haute École d’Art et de Design (Head), em Genebra; e de história das mídias na Escola de Design Basel, na Suíça. Crítico de arte, escreve para publicações como a revista francesa Art Press e a revista de arte alemã Kunstforum International. Iniciou na fotografia como assistente de estúdio em Zurique, na Suíça, tornando-se fotógrafo independente em Paris. Já fez exposições individuais na Antuérpia, em Zurique, Genebra, Paris e Torino.
Professora convidada da Universidade Cândido Mendes, no Rio de Janeiro, coordena as exposições das edições do Encontro Internacional de Fotografia do Rio de Janeiro, o FotoRio, desde 2003. No evento, já foi curadora de mostras como Limiares Urbanos, em 2007, e já atuou como assistente dos curadores Jean-Luc Monterosso e Milton Guran. Foi editora e pesquisadora de imagens da campanha do Comitê Olímpico Brasileiro (COB) que terminou por eleger o Rio de Janeiro como a cidade olímpica em 2016. Artista visual, Joana graduou-se em pintura pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ) e tem pós-graduação pela Universidade Cândido Mendes. Também percorreu cursos da Escola de Artes Visuais do Parque Lage e do Centro de Preservação da Fotografia da Fundação Nacional de Artes (Funarte).
Catalão de Barcelona, é um caso raro na fotografia internacional. Fotógrafo criativo, é também um pensador sem limites, que vem se destacando desde os anos 1970, quando se formou na Universidad Autónoma de Barcelona, onde foi professor na Facultad de Bellas Artes. Daí para a frente, percorreu escolas importantes, como a Universidade Harvard, nos Estados Unidos. Fundador da revista Photovision, uma das mais marcantes na história contemporânea, é autor de vários livros, como El Beso de Judas (Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 1997), no qual propõe que o mundo real foi substituído por um fictício, onde só existem aparências, e discute a chamada realidade da imagem fotográfica. Em Zonas de Penumbra (Actar, Madri, 2000), o fotógrafo discute a crítica fotográfica em meio à produção da arte contemporânea e percorre outras investigações. Pensamentos indo ao encontro de uma inquietação íntima e suas reverberações na imagética internacional.
Paraguaio, é fotógrafo, escritor e coordenador editorial do festival El Ojo Salvaje – Mes de La Fotografía en Paraguay. Faz parte da experiência Sueño de la Razón, criada no 1o Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo. Trata-se de uma edição produzida por sete países latino-americanos. É codiretor da Ediciones de la Ura, editora sem fins lucrativos aberta a todos os campos experimentais e destinada ao cruzamento de múltiplas práticas culturais. Uma de suas obras mais importantes é o trabalho feito com imagens pesquisadas na época da ditadura Stroessner e em sua decadência. Sobre ela, escreveu o pesquisador e crítico Ticio Escobar, atual ministro da Cultura do Paraguai, que não se trata de criticar a precariedade da cena oficial, mas sim de revelar aspectos que ficaram obscuros pelos discursos da história e da política.
Escritor, jornalista e roteirista, notabiliza-se pelo pensamento crítico fotográfico e artístico, exposto em textos sobre obras de grandes fotógrafos – fluxo de seu trabalho como curador na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Foi premiado em três edições pela Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA) e recebeu, em 2009, o prêmio de Melhor Curador de Fotografia do Brasil pelo Sixpix/Fotosite. Autor de livros de ficção e poesia, entre eles Drão de Roma – Dezembro Caiu (Editora Diógenes de Moura, 2006), foi curador de mostras como A Procura de um Olhar, Fotógrafos Franceses e Brasileiros Revelam o Brasil (2009) e Fotografia como Memória, German Lorca. É também curador do festival A Gosto da Fotografia, em Salvador, que integra a Rede de Festivales y Encuentro de la Fotografía Latinoamericana.
Uruguaio, o fotógrafo e professor Daniel Sosa foi um dos criadores do Centro Municipal de Fotografia de Montevidéu, onde atua como coordenador desde 2002. Importante entidade de difusão da fotografia da América Latina, o centro mantém um acervo de mais de 100 mil fotografias históricas do período entre 1840 e 1990, e mais de 15 mil imagens contemporâneas criadas desde 1990 até os dias de hoje. Um dos editores da revista Sueño de la Razón, coordena permanentemente três salas de exposição onde são expostos trabalhos de fotógrafos contemporâneos uruguaios e de outros países. Também produz um programa semanal na televisão, o F/22, dedicado à reflexão e à promoção da fotografia. O programa é coproduzido pela rede de televisão Ciudad, onde Sosa foi editor de programação entre 1997 e 2002.
Catalão, está à frente do projeto Laberinto de Miradas, iniciado em 2007 com o objetivo de mapear a imagem produzida pelos países ibero-americanos. O trabalho teve como uma de suas ações a articulação de encontros em São Paulo reunindo os coletivos Cia de Foto, Rolê, No Photo, Blank Paper, Pandora, Kamera Photo, Monda Photo, Organización Nelson Garrido, Supay Fotos e Cooperativa Sub. Pesquisador da Universidade de Barcelona e editor da revista Invisible Photo, foi o diretor do projeto E.CO, produzido pelo governo espanhol e que gerou o 1o Encontro de Coletivos Fotográficos da Europa e América Latina (2010).
Criado em 2003, o coletivo propõe novas leituras fotográficas por diferentes meios. Entre eles, destacam-se a curadoria da Semana Internacional de Fotografia FNAC (2008) e o conselho curatorial do Paraty em Foco (2009) e deste 2º Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo. Também participam de exposições nas quais apresentam ensaios conceituais. Mantém suas obras representadas pela Galeria Vermelho, de São Paulo. Fazem parte do conselho editorial da revista Sueño de la Razón e atuam também no mercado editorial e de publicidade.
Carioca, começou sua trajetória fotográfica em jornais como O Globo, Jornal do Brasil, Folha de S.Paulo e O Estado de S. Paulo. Também fotografou para revistas como Veja e Isto É, além das internacionais Newsweek e Time Magazine. Desde 1986 atua como documentarista, tendo especial atenção a temas como extrativismo e o movimento do trabalhador rural. Atualmente, é editor da revista eletrônica Mesa de Luz (www.mesadeluz.org) e diretor do Estúdio Brasil Imagem, em Porto Alegre, cidade onde mora. Vencedor dos prêmios brasileiros Leica-Agfa (2005) e Vladimir Herzog de Anistia e Direitos Humanos , é fundador e coordenador do Festival Internacional de Fotografia de Porto Alegre (Festfotopoa).
Australiana, começou como curadora em seu país natal e já acumula 30 anos de experiência trabalhando com fotografia e outras artes visuais. Foi diretora do Australian Gallery Directors Concil entre 1976 e 1979. Em 1980, mudou-se para a Inglaterra onde fez seu mestrado no Courtauld Institute of Art. Associou-se a The Photographer’s Gallery em 2005, o mais importante espaço dedicado à fotografia em Londres, cidade onde também atuou no British Council como diretora e responsável pelas exposições. Recentemente, organizou as mostras Fashion Photography in Britains 1960-1997 e Reality Check, British Photography and New Media 2002-2004.
Iniciou sua atuação como curador nas Jornadas Universitárias de Fotografia, na capital espanhola. Foi responsável pela área de Fotografia do Círculo de Belas Artes de Madri, onde, por 12 anos, organizou workshops, seminários e exposições. Participou de cinco edições do Festival Foco (Fotografia Contemporânea em Madri). Criou a Sala Minerva de Fotografia, na mesma cidade, destinada a jovens fotógrafos. Fundador do festival internacional PhotoEspaña, foi diretor artístico nas três primeiras edições do evento. Atualmente, é curador independente de fotografia e editor de fotografia contemporânea da Lunwerg Editores, que publicou títulos antológicos como Mapas Abiertos Fotografia Latinoamericana 1991-2002. Colabora com diversas publicações internacionais, entre elas a C Photo Magazine.
Curador de mostras como Transmigración, que reuniu fotógrafos como Flor Gardunho, Pablo Ortiz Monasterio e Christina Kalo, no Mois de la Photo, em Paris, em 2008, o mexicano também é historiador e professor de fotografia. Divide essas atividades com a direção do Centro de la Imagen, espaço consagrado à difusão da fotografia das Américas, no México.
Segundo ele, “pensar a identidade latino-americana é como ver um espelho que reflete uma forma, a própria, enquanto esconde outra: a daquele que não é como eu, mas me representa imaginariamente, ou seja, através de meu pensamento e de minha cultura”. Nas diversas exposições de que fez curadoria, nos fóruns de que participou ou em seus textos, declara que vivemos numa constante fusão de opostos, em meio a todas as contradições possíveis – tema que perpassa o 2o Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo.
Em sua obra, percebemos ecos da de Walker Evans, Stephen Shore e Thomas Struth, como aponta o crítico Vince Aletti, da revista The New Yorker. Em entrevista a James Miller, Soth declarou que sentia que estávamos chegando ao fim de uma era “inacreditável” e que ele queria registrar esse momento. Muitos de seus trabalhos e livros surgem de ideias que não são concebidas como longos projetos, e outras derivadas de seus assignments.
Dos portraits às paisagens, a obra desse americano nascido na pequena e fria Minneapolis, no norte dos Estados Unidos, navega entre diferentes linguagens que nunca se acomodam e quase nunca se repetem, fruto de um instigante desejo de migrar. Segundo suas palavras: “Se a fotografia documenta alguma coisa, é o espaço que está entre mim e meu assunto”. É associado da Magnum Photos desde 2006.
Fotovisura
Foto: René Peña, artista do Latin America Pavillion
A Foto Visura Magazine é uma publicação online que apresenta em suas edições diversos projetos pessoais de artistas mundo afora. Além disso, existe o Latin America Pavillion, espaço nova-iorquino produzido por Adriana Teresa que é aberto a exposições de artistas hermanos.
Mas duas coisas bem legais trazem a Foto Visura aqui. Uma delas é a ferramenta de publicação online que eles dispõem gratuitamente no site. Os interessados só precisam se cadastrar, fazer o login e começar a subir suas imagens para o Public Archive. Lá estão vários artistas que buscam compartilhar fotografias, conectar-se com outros e expandir seu network.
A outra é o The FotoVisura Grant for Outstanding Personal Photography Project. Até dia 01 de novembro qualquer pessoa pode se inscrever no concurso e participar. Os prêmios envolvem valores em dólar, publicação de portfólio na revista online, exposição na Guatemala, etc. Para saber mais infos e se inscrever, aqui.
Arquivo Tafos
Foto: Angel Tapullima Salas/TAFOS
Foto: Alfredo Medina/TAFOS
Foto: Felipe Vente/TAFOS
Bendito seja Thomas Müller! Não o jogador de futebol, mas outro alemão que, mesmo sem tanta fama, fez um golaço a favor da fotografia e memória do Peru. Em 1986 ele e sua esposa Helga Müller fundaram o TAFOS (Talleres de Fotografìa Social). A intenção era gerar sistemas de comunicação por meio do fotodocumentarismo, organizar uma classe social que era refém da pobreza extrema e falta de representatividade política.
Assim, vieram as oficinas de fotografia em diversas zonas do país. Müller distribuiu câmeras aos trabalhadores destas regiões para que, como num enorme coletivo, pudessem documentar suas realidades e tentar se esquivar da exclusão social.
Em 1998, o casal alemão doou todo seu arquivo fotográfico para a Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú, que passou a organizar, digitalizar e conservar estes importantes fragmentos da memória peruana.
Todas as mais de 150.000 imagens estão disponíveis para consulta, investigação e montagem de exposições. Além de uma sede destinada ao TAFOS dentro da Universidade, tudo pode ser visto também pelo site. Este espaço virtual é super completo e conta com diversos outros serviços e informações sobre o projeto. Vale a pena dar uma navegada por lá.
O postal como instrumento de afirmação da cultura moderna
Num post anterior, apresentamos uma pesquisa sobre um conjunto de postais editados recentemente em Buenos Aires.
Agora, trazemos um trabalho que parte de um conjunto de postais que circularam no Chile no início do século XX, em sua maioria fotográficos, para tentar compreender o modo como eles agenciam a idéia de uma modernidade latinoamericana. Isso é demonstrado por meio de diferentes temáticas, como os novos hábitos e paisagens com os quais esse homem moderno quer se identificar, ou a exibição de um “outro” exótico que estimula sua curiosidade, mas do qual deseja se diferenciar.
Jacqueline Rivera traz um número significativo de exemplos efetivamente postados e, para analisá-los, toma referenciais bastante eruditos que exigem uma leitura cuidadosa. Com isso, consegue demonstrar as várias dinâmicas que estão implicadas nesse processo comunicacional. Além de um olhar muito atento às encenações e composições trazidas pelas imagens, ela também interpreta o contexto e os fatos que envolvem remetentes e destinatários, e as mensagens textuais escritas no verso e eventualmente sobre a face principal.
Já lembramos que o cartão postal constitui um modo bastante popular de uso e circulação da fotografia. Mas como demonstra a pesquisa de Jacqueline Rivera, ele é extremamente complexo em seu sentido social: é um artefato que se pretende funcional e estético, é ao mesmo tempo suporte e mensagem, conjuga uma imagem pública e reproduzida em série com uma textualidade intimista e personalizada, faz transitar um relato circunstancial mas que resulta num objeto afetivo colecionável.
La Tarjeta Postal en Chile
Autor: Jacqueline Rivera
Orientador: Dr. Leonidas Morales Toro
Universidad de Chile, Santiago de Chile, Octubre, 2008
Magíster en Literatura Hispanoamericana y Chilena – Facultad de Filosofia y Humanidades – Departamento de Literatura
Link para o trabalho: La Tarjeta Postal en Chile
Fragmento:
“El género postal nace y es producto de la modernidad. Este se distingue por sus pautas: la brevedad, la recepción fragmentada y la polisemia de sus íconos. Además, se sostiene sobre una base de dos discursos, el escrito y el icónico, que al haberse acoplado reflejan aún más su carácter heterogéneo en este espacio construido. Es este temperamento territorial el mismo que la privilegia como un objeto masivo, carente de estatismo, que puede fluir entre lo individual y colectivo, con el manejo de cualquier tipo de código en ambos espacios. Al concretarse sus campos dialógicos, la fusión de discursos dentro de la postal fluctúan ambiguos y sin delimitaciones. Esto de acuerdo a su contexto mixto, fruto de una época de disoluciones y aperturas ineludibles como la moderna, tanto en su cosmovisión, espacialidad y temporalidad, que sitúa su compleja comunicación desde su espacio semi-público/ semi-privado. Es que, el uso de la tarjeta postal por el mundo burgués de la época, se conserva como ejemplo de este patrón de cosmopolitismo latinoamericano de la comunicación, encadenado a la tradición pero conquistado por los medios de masas, por la rapidez y difusión de la información.”
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